Der zweite Film nach den Hunger Games-Büchern von Suzanne Collins, Catching Fire, scheint auf dem besten Weg zu sein, ein ebenso großer Erfolg zu werden wie sein Vorgänger. Und obwohl die Filme fast durch die Bank von Kritikern gemocht werden – was zu einem großen Teil auch der Beliebtheit und schauspielerischen Qualität von Hauptdarstellerin Jennifer Lawrence zu verdanken ist – regen sich trotzdem hier und da kritische Stimmen. Im /filmcast zu Catching Fire fanden sich mit David Chen und Jeff Cannata gleich zwei Menschen, die vom Franchise weniger angetan waren. Beide rechtfertigte seine Abneigung unter anderem damit, dass ihm die Filme zu wenig Eigenständigkeit haben, das von ihnen sogenannte „Harry-Potter-Syndrom“. Cannata ließ sich dann zu dieser Aussage hinreißen, die ich so noch nicht gehört hatte:

I think this is transmedia at its finest, and this is why these novels are being gobbled up and put on screen so fast. This is a handshake between different media properties. You are not meant to just watch this movie. You are meant to go to this movie and then, when you leave it, want to go buy the book, or buy the book and then want to go to the movie. They are not meant to work without one another.

Schielen auf die Verfilmung

Hat Cannata recht? Von einem inhaltlichen Standpunkt aus sicher nicht. Suzanne Collins‘ Trilogie existierte als Ganzes bevor der erste Film entstand. Und auch wenn die Bücher in ihren Handlungs-Beats teilweise recht kinematisch sind, hängt das wohl eher mit ihrem medienkritischen Thema zusammen, als mit dem Schielen auf eine mögliche Verfilmung. Dies ist sicher kein Fall, wo das Wissen um eine laufende Verfilmung einer noch nicht abgeschlossenen Geschichte den Autor in seiner Erzählung beeinflusste (wie es etwa Bryan Lee O’Malley für Scott Pilgrim vs. the World zugegeben hat). Wahrscheinlich ist Suzanne Collins, die ihre Karriere als Drehbuchautorin im Kinderfernsehen begann, einfach nur eine Schreiberin mit visuellen Stärken, wie dutzende andere Crossover-Autoren vor ihr – von Dashiell Hammett über Michael Crichton bis George R. R. Martin.

Ich kann ihm auch nicht so recht zustimmen, dass die Hunger Games-Filme nur Bebilderungen einer literarischen Geschichte sind, wie es bei den Harry-Potter-Filmen zwischen Teil vier und sechs, oder bei einem Film wie The Golden Compass teilweise stark der Fall war. Collins‘ Bücher sind schlank und verbringen viel Zeit mit Beschreibungen, ihre Dramatis Personae sind überschaubar. In den Filmen wird keine Zeit mit „Fan Service“ verschwendet, etwa mit unwichtigen Figuren, die nur auftauchen, weil sie bei den Lesern beliebt sind, und dann wieder verschwinden. Vielmehr haben die Filme entschieden, die limitierte Ich-Erzählperspektive der Bücher, in denen Hauptfigur Katniss sich viele Informationen nur zusammenreimen oder als Mauerschau im Nachhinein erfahren kann, durch Dialogszenen aufzubrechen, von denen Katniss gar nichts wissen kann.

Keine selbstständige Vision

Cannata hat insofern recht, dass die Filme dennoch keine mutigen, freien Adaptionen sind, die die Handlung zusammenraffen, wie es ihnen passt, Charaktere streichen oder zusammenlegen und der Vision des Buchautors eine selbstständige, filmische Vision eines Regisseurs entgegensetzen, wie es gerade bei Science-Fiction-Adaptionen lange Zeit der Fall war. Auch aus Marketingsicht profitieren Buch- und Filmreihe natürlich voneinander. Bei mir, zum Beispiel, hat das Prinzip „Ersten Film sehen, deswegen Bücher lesen, deswegen zweiten Film sehen“ wunderbar funktioniert. Einen „Handschlag“ zwischen den Mediengattungen mag ich dennoch nicht erkennen, zumal Scholastic, der Verlag der die „Hunger Games“-Bücher in den USA verlegt, nicht Teil eines Filmstudio-Medienkonglomerats ist.

Richtig ist auch, allgemein gesprochen: Der Aufstieg des fantastischen Kinos und der damit zusammenhängenden Fankultur im 21. Jahrhundert, besonders von „Harry Potter“, hat eine enge Adaptionsstrategie der Filmstudios begünstigt, die darauf abzielt, die Fans der Bücher als Kern-Multiplikatoren zu erreichen. Im Fall der Hunger Games scheinen die Filme aber auch bei einem breiten Publikum zu funktionieren, das sicherlich nicht in seiner Gesamtheit auch die Bücher gelesen hat. In diesem Zusammenhang aber den Begriff „Transmedia“ zu gebrauchen, selbst in einer sehr liberalen Auslegung, finde ich aber falsch. Das erste „native“ Transmedia-Projekt, das Blockbuster-Romane mit Blockbuster-Filmen kombiniert, wird mit Sicherheit kommen, ist wahrscheinlich bereits in Entwicklung und der Young-Adult-Markt scheint dafür das perfekte Segment zu sein, vorgeprägt wie er ist durch transmediale Marken von Pokémon bis Star Wars: The Clone Wars. Aber den Tributen von Panem schenke ich fürs erste mal noch den Zweifel für den Angeklagten.

(Liebe Leser. Bitte entschuldigt die mangelnde Bebilderung und Durchlinkung dieses Artikels, der offline geschrieben und dann mit einer sehr langsamen Internetverbindung ins Blog gehoben wurde. Mehr steht mir in den nächsten paar Wochen leider nicht zur Verfügung.)

A week and a half ago, I visited Harry Potter: The Exhibition at Discovery Times Square in New York. If I had not been on holiday in New York this summer and steeped in the Harry Potter films through my podcast series, I would probably not have bothered with the exhibit. Having seen it, however, it left me intrigued and puzzled.

The press release for the opening of the exhibition in April 2009 in Chicago boasted „more than 200 authentic props and costumes from the films“ and had Eddie Newquist, president of the company responsible for the show’s concept, excited about it being „enchanting, engaging and, above all, true to the spirit of the films“. What does that mean?

The most interesting part of the exhibition for Potter buffs is indeed that it showcases original props and costumes. Which means that you can finally see clothes worn by Dan Radcliffe, Alan Rickman and others „for real“. You can see, for example, how small the three young wizards once were – something which at least for me is always hard to imagine when your only reference is a big screen image.

The exhibit is also made up like a theme park ride, full of replicas of scenery and characters from the series. These make for „magic“ atmosphere, of course, but they also hammer home what seems to be the point of the whole exhibit: that Harry’s World isn’t something that was created by a team of talented filmmakers, but something that is almost so real you can experience it yourself. The following examples illustrate this concept:

1. Every costume will bear a caption reading something like „Robes worn by Harry Potter (Daniel Radcliffe) in ‚Harry Potter and the Goblet of Fire'“. Note how the caption emphasizes the fictional character over the actor, ignoring the fact that Harry Potter never actually wore the robes. Daniel Radcliffe wore them while he was playing Harry Potter.

2. The Hagrid costume on display is not human-sized, it’s Hagrid-sized. The belonging plaque will still read „Clothes worn by Hagrid (Robbie Coltrane)“, eliminating the notion that Coltrane is actually not as big as Hagrid and probably wore smaller clothes when he portrayed the character, while the clothes on display might have been worn by a size double, if they are actually authentic props at all (there is no way to tell).

3. In a part of the exhibition that deals with the villains of the films, a statue of the house elf Kreacher sits between the costume busts. It’s a lifelike recreation of what the elf would look like if he ever actually existed outside of a computer and it also has a little plaque reading „Kreacher as seen in …“. This is, of course, completely meaningless, because this painted styrofoam Kreacher is just as unreal as the virtual elf on the screen. An interesting alternative would have been to display the maquette that Industrial Light and Magic used to create the character, but that would probably destroy the „magic“.

For me, this conception of the exhibit renders it quite useless no matter what you are interested in. If you really want to look behind the screens of the film series, you will be disappointed, because the show offers nothing at all about the making of the films, except the props (unlike, for example the Museum of the Moving Image which I visited a day later and which absolutely knocked my socks off because it is designed so well). If you want to study the craftsmanship and attention to detail that went into the production design of the movies, the shenanigans around the actual displays will drive you mad and give you a hard time actually looking at things up close. And if you are interested in the complete immersive Harry Potter experience, you will be disappointed as well, because the props and costume displays clearly disrupt the storytelling experience of the exhibit, as they come from a world outside the show (which differentiates the exhibition from the Wizarding World of Harry Potter theme park).

Moneymaking aside, what is the purpose of exhibitions like this? According to David Monsena, president of the Museum of Science and Industry in Chicago, the Harry Potter exhibit „embodies the Museum’s mission of inspiring the inventive genius in everyone“. How any part of Harry Potter: The Exhibition could inspire you to more than buying stuff in the gift shop, however, remains a mystery to me.

(Edward Rothstein of the „New York Times“ thinks many of the same thoughts but arrives at a more positive conclusion.)

I was obviously not the only one who looked back at the Harry Potter films this summer. I read some other interesting retrospectives and wanted to share them.

The most thorough retrospective I found was „Slant“ Magazine’s „Week with a wizard“. Author Ted Pigeon examines each film in a separate blog entry with film scholarly expertise – and comes to many similar conclusions as me and my interviewees. There is no easy way to link to the series, so here are the individual blog entries:
1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8

A friend pointed me to a more humourous take at the „Guardian“, where Charlie Lyne sat through a marathon viewing of all but the last film.

And then there is my favourite one: Matt Zoller Seitz sitting down with his teenage daughter. They mostly discuss the last film, but also try to look at the larger picture of what the Harry Potter movies did for the Potter generation, something I was very interested in in my podcast series.

If you find any other good Potter Retrospectives, be sure to point them out in the comments.

At the end of my podcast with Kirsten Dietrich about Harry Potter and the Half-Blood Prince, a topic of discussion came up that I would like to mull about a bit longer in this post. We talked about whether the Harry Potter movies, even if they are maybe not the best possible translation of the books into moving pictures (I still think that a TV series might have made for a better, if more expensive, adaptation), have become the definitive visual representation of the seven novels, not least because the author J. K. Rowling was very involved in the production and casting from the very beginning.

Translations from one medium into another usually involve several changes in the ur-text to fit and, indeed, adapt it to the new medium. In this way, they generally create a new universe related to but not congruent to the universe of the ur-text. In one of the videos on the Extended Edition of Peter Jackson’s Lord of the Rings, the screenwriters and some Tolkien experts broach this topic when they talk about adapting Tolkien’s novel. I think it is Brian Sibley who points out that, in the future, there will be two important Rings texts: Tolkien and Tolkien as interpreted by Jackson.1

In the case of Harry Potter, because the author was so heavily involved in the adaptation process, the two universes are almost alike. The films, although they differ from the books in some ways, have almost become part of the Harry Potter canon (and indeed are seen this way by the fans of the HP universe) and have succeeded in creating the definitive visual representations of characters and some events in the books because they have Rowling’s seal of approval. This has even been enforced legally, as Kirsten points out in the podcast. When Sabine Wilharm, the illustrator who created the covers for the Harry Potter books in Germany, created additional paintings that show other scenes from the books, Warner Bros. sued the commissioning publisher. The same brute force has been applied to creators of fan sites.

Ownership of and control over an intellectual property is the foundation of succesful franchising. While it does goes to silly extremes sometimes (as mentioned above), it’s a key ingredient to make the franchise work and fit together. For the process of adapting source material into film while controlling that source material at the same time (as Rowling did), this still seems to me to be a relatively new mainstream concept that I would trace back to the creation of Marvel Studios in 1996. I’ve read enough „development hell“ stories to believe that adaptations, for example of comics, used to be handled differently. The IP owner would sell their license and the studio would go and adapt it, sometimes screwing up, sometimes not, but always with very little input from the IP’s originators.

The early films produced with Marvel Studios in tow, such as Sam Raimis Spider-Man films and Bryan Singers X-Men films, already had a certain amount of faithfulness to the source material „in spirit“ that earlier incarnations had not achieved (or so, I gather, fans believe), similar to Jackson’s adaptation of Tolkien. By setting up the Marvel Cinematic Universe (MCU), however, the former comic book publisher has added another layer to the cake: harnessing the process of filmmaking, which involves hundreds of people in contrast to the few involved in creating a comic book, to produce a number of films that tie in to create one cinematic universe that, while not corresponding one-on-one to its source material, is canonic in its own right. In effect, they too are creating definitive cinematic versions of their comic book characters.

I have already expressed my admiration for the Avengers film, the first culmination of the MCU, in this blog one year ago and there is nothing more illuminating about the process than this quote by Marvel president Kevin Feige:

It’s never been done before and that’s kind of the spirit everybody’s taking it in. The other filmmakers aren’t used to getting actors from other movies that other filmmakers have cast, certain plot lines that are connected or certain locations that are connected but I think for the most part, in fact, entirely everyone was on board for it and thinks that its fun. Primarily because we’ve always remained consistent saying that the movie that we are making comes first. All of the connective tissue, all of that stuff is fun and is going to be very important if you want it to be. (Source)

The result might be thought of as a slap in the face to the individual artistic expression of any one director but it’s very effective. Marvel are applying to movies what has been general practice in TV series for ages, even more so since the advent of complicated series with multiple narrative strands such as The X-Files or Lost. They are continuing down this route, rebooting Spider-Man (as they already did with The Incredible Hulk) and, in effect, X-Men to integrate them into their grand scheme. And DC, with their umpteenth version of Superman (Man of Steel, directed by Zack Snyder) and, probably, Batman in the works, are hard on their heels.

The difference to a TV series, of course, is that there is no real linear plot to the MCU. While the films leading up to The Avengers share a certain timeline, each narrative strand also stands on its own with just a few nods to its sister narratives. If the actors are willing to participate, the films allow for endless tangents and intersections while they, at the same time, stay locked together in one unified and definitive worldtrack2 controlled by Marvel.3

This article only summarises some of the things I have been thinking about lately. I have probably forgotten important ideas and misinterpreted others. I would be very happy to discuss the thoughts sketched out above in more detail with readers of this article. Head to the comments!


1 Jackson very cleverly mediated between his version of Tolkien and the visual interpretations that had come before him by enlisting John Howe and Alan Lee as concept artists. In this way, there is no real „break“ between how many fans had always imagined Middle-Earth to look like, including cover illustrations etc. into their imaginations (as one does), and how it looked like in the film. ^
2 I have just finished reading Neal Stephenson’s novel „Anathem“ and borrowed this word from the book. ^
3 A multi-faceted adaptation of Stephen King’s „Dark Tower“ series with Ron Howard at the helm that, in its concept, shares some ideas with something like the MCU has, unfortunately, just been canned. ^

It all ends – im letzten Podcast der „RePotter“-Reihe spreche ich mit der Filmkritikerin Christina Wittich über Harry Potter und die Heiligtümer des Todes – Teil 2. Das Gespräch zu Teil 1 ist leider Terminschwierigigkeiten zum Opfer gefallen.

Christina ist im Gegensatz zu mir und meinen anderen Gesprächspartnern auch in der Lage, die Filme für sich zu betrachten, denn wie sie selbst zugibt hat sie die Bücher nicht gelesen. Gemeinsam resümieren wir, ob dieser letzte Teil tatsächlich ein würdiges Finale für das Franchise ist, ob die 3D-Konvertierung einen Mehrwert bot und was die Filmserie insgesamt mit uns und ihren Darstellern in den letzten zehn Jahren gemacht hat.

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In der Podcast-Serie „RePotter“ wage ich zum Kinostart des achten und letzten Teils der Harry Potter-Films, gemeinsam mit wechselnden Gesprächspartnern einen Rückblick auf die Saga, die sich selbst als das „Motion Picture Event of a Generation“ bezeichnet.

Bisherige Folgen:

RePotter #1 – Jochen Ecke und der Stein der Weisen
RePotter #2 – Martin Urschel und die Kammer des Schreckens
RePotter #3 – Jonas Hahn und der Gefangene von Azkaban
RePotter #4 – Simon Born und der Feuerkelch
RePotter #5 – Thomas Kieckbusch und der Orden des Phönix
RePotter #6 – Kirsten Dietrich und der Halbblutprinz

Bei meiner Gesprächspartnerin im sechsten RePotter-Podcast freue ich mich ganz besonders, dass sie kurz vor ihrem Urlaub noch Zeit für ein Gespräch gefunden hat. Kirsten Dietrich ist Journalistin aus Berlin und arbeitet hauptsächlich in den Themenfeldern Religion und Kirche. Für Fantasy hat sie aber eine besondere Leidenschaft und sie verknüpft beide Themen auch immer wieder gerne, zum Beispiel für den RBB.

Harry Potter und der Halbblutprinz kommt sowohl bei den Büchern, als auch bei den Filmen, eine etwas undankbare Rolle zu. Er muss die Handlung überbrücken und jede Menge Hintergrund liefern, damit im letzten Teil genug Raum für das große Finale bleibt. Ob ihm das gelingt ist ebenso Thema im Podcast wie die Zersplitterung der Inszenierung, das Menschenbild der Filme und die zwielichtige Figur von Albus Dumbledore.

Zu Harry Potter und die Heiligtümer des Todes – Teil 1 wird es wegen Terminverstrickungen leider erstmal keinen Podcast geben. Aber Ende der Woche folgt noch ein Gespräch zum achten Film mit der Dresdner Kritikerin Christina Wittich.

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In der Podcast-Serie „RePotter“ wage ich, zum Kinostart des achten und letzten Teils der Harry Potter-Films, gemeinsam mit wechselnden Gesprächspartnern einen Rückblick auf die Saga, die sich selbst als das „Motion Picture Event of a Generation“ bezeichnet.

Bisherige Folgen:

RePotter #1 – Jochen Ecke und der Stein der Weisen
RePotter #2 – Martin Urschel und die Kammer des Schreckens
RePotter #3 – Jonas Hahn und der Gefangene von Azkaban
RePotter #4 – Simon Born und der Feuerkelch
RePotter #5 – Thomas Kieckbusch und der Orden des Phönix

Im fünften Podcast der RePotter-Reihe unterhalte ich mich mit jemandem, der – zumindest laut Klingelschild – weder Film- noch Harry Potter-Experte ist. Thomas Kieckbusch schaut einfach gerne Filme und redet auch gerne darüber, insofern also ein idealer Gesprächspartner für Harry Potter und der Orden des Phönix – und unter dem Namen Slowpulseboy auch ein exzellenter Wave- und Gothic-DJ.

David Yates war 2006 der vierte Regisseur, der bei Harry und seinen Freunden das Regie-Ruder übernahm und er gefiel allen beteiligten so gut, dass er auch gleich bis zum Ende der Serie bleiben durfte. Sein Debüt in der Reihe hat Thomas und mich zum Philosophieren über Gut und Böse, Showdowns im virtuellen Raum und Vaterkomplexe angeregt.

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In der Podcast-Serie „RePotter“ wage ich, zum Kinostart des achten und letzten Teils der Harry Potter-Films, gemeinsam mit wechselnden Gesprächspartnern einen Rückblick auf die Saga, die sich selbst als das „Motion Picture Event of a Generation“ bezeichnet.

Bisherige Folgen:

RePotter #1 – Jochen Ecke und der Stein der Weisen
RePotter #2 – Martin Urschel und die Kammer des Schreckens
RePotter #3 – Jonas Hahn und der Gefangene von Azkaban
RePotter #4 – Simon Born und der Feuerkelch

Schon mit dem dritten Harry-Potter-Film unter der Regie von Alfonso Cuarón war die Kontinuität der ersten beiden Filme, zumindest im allgemeinen Look, unterbrochen worden. Mike Newell hatte mit Harry Potter und der Feuerkelch eine noch schwierigere Aufgabe zu meistern: Er musste ein fast doppelt so dickes Buch in einen Film von normaler Länge zwängen.

Mit Simon Born, Mediendramaturg und Filmjournalist (unter anderem für Negativ) aus Mainz, spreche ich im vierten Teil meiner Podcast-Serie unter anderem über Filmmusik, Actionsequenzen und den Unterschied zwischen Lese- und Filmerlebnis.

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In der Podcast-Serie „RePotter“ wage ich, einen Monat bevor der achte und letzte Teil der Harry Potter-Filme in die Kinos kommt, einen Rückblick auf die Saga, die sich selbst als das „Motion Picture Event of a Generation“ bezeichnet.

Bisherige Folgen:

RePotter #1 – Jochen Ecke und der Stein der Weisen
RePotter #2 – Martin Urschel und die Kammer des Schreckens
RePotter #3 – Jonas Hahn und der Gefangene von Azkaban

Drei Wochen nachdem das RePotter-Projekt in diesem Blog gestartet ist, ist Harry, nur wenige Tage vor dem Start des achten und letzten Teils der Filmserie, überall. Von beinahe jeder Illustrierten blickt einem seit vergangener Woche das Gesicht einer der Hauptdarsteller der Reihe entgegen.

Und obwohl mein Urlaub in Amsterdam die Fortsetzung der Podcast-Serie leider verzögert hat, so lieferte er doch eine interessante Fußnote dazu, denn auf dem Rembrandtplein mitten in Amsterdams Innenstadt hat Warner Bros. dieser Tage eine Harry-Potter-Ausstellung platziert. Sie verfolgt in ihrer Konzeption weiter jene Agenda, die ich auch im Podcast hinterfrage: Sind die Harry Potter-Filme wirklich das Filmevent einer Generation?

Frei aus dem Niederländischen übersetzt heißt es auf den Stelen:

Das Ende naht. Die Entknotung findet am 13. Juli statt. Die Premiere des letzten Abenteuers der Harry Potter-Filmreihe: Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2 wird von einer Generation von Fans als das Ende eines Zeitalters gesehen werden.

Anlässlich des allerletzten Films hat Warner Bros. Pictures eine Ausstellung eingerichtet. Eine einzigartige fotografische Reise hinter die Kulissen von allen acht Harry Potter-Filmen, die ein weltweites Publikum erreicht haben und zum erfolgreichsten Film-Franchise aller Zeiten ausgewachsen sind.

Von 2000 bis 2010 wurden die Leavesden Studios in Hertforshire in England zur Heimat einer besonders talentierten Gemeinsachaft von Filmemachern und Produzenten unter der Leitung von Produzent David Heyman. Ein Cast von britischen Schauspiellegenden wurde ergänzt durch drei junge Stars: Daniel Radcliffe, Rupert Grint und Emma Watson, die wortwörtlich vor unseren Augen aufwuchsen.

Willkommen bei dieser Ausstellung mit einzigartigen Bildern aus den Filmen und einem Blick hinter die Kulissen darüber, wie die magischen Abenteuer aus der geliebten Harry Potter-Buchserie von J. K. Rowling filmisch zum Leben erweckt wurden.

„Einzigartige Bilder“ heißt in diesem Fall übrigens „altbekannte Production Stills“ – wenn es auch tatsächlich noch einmal einen besonderen Eindruck erweckt, alle Filme so nebeneinander zu sehen. Besonders drollig fand ich auch die Platzierung rund um die Statue eines der größten Maler aller Zeiten, der mit unlesbarem Blick auf seine späten bildlichen Epigonen herabzuschauen scheint.

Hier sind ein paar Schnappschüsse der Ausstellung:

Schon seit ungefähr einer Woche war mir klar, dass ich es nicht mehr rechtzeitig schaffe, alle sieben bisherigen „Harry Potter“-Filme vor dem Start des achten und letzten zu besprechen. Heute hat sich auch ergeben, dass der vierte Podcast nicht mehr dieses Wochenende fertig wird.

In der kommenden Woche mache ich Urlaub – in Amsterdam. Die Woche drauf gibt es dann die zwei nächsten Podcasts, mit Simon Born von Negativ und mit Thomas Kieckbusch.

Auch Film 7.1 ist schon vergeben – aber findet sich noch eine Freiwillige oder ein Freiwilliger für „Harry Potter und der Halbblut-Prinz“?

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